De Klein K – A conversation with clay- 2021

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L’œuvre de Yoshimi Futamura

Les grandes pièces de Yoshimi Futamura sont intrigantes. Leur extérieur brut et granuleux rappelle d’anciennes formations rocheuses érodées. En même temps, leurs formes arrondies sont très organiques ; elles semblent être nées et avoir grandi d’elles-mêmes. Elles témoignent du lien profond des Japonais avec la nature.

Sources d’inspiration

Pour Yoshimi Futamura (Japon, 1959), la nature est la principale source d’inspiration. « Pour les Japonais, c’est une évidence. La nature qui nous entoure est à la fois grandiose et menaçante : la beauté du sakura (la fleur de cerisier) face à l’horreur du tsunami. En tant que peuple, nous avons appris à vivre avec elle et à développer un respect profond à son égard. Cela s’exprime également dans le shintoïsme, la religion la plus importante. L’animisme confère une essence divine à tout ce qui nous entoure. C’est ce sentiment de connexion et d’émerveillement que je veux représenter dans mes pièces. » Les grandes sculptures qui ont fait la renommée de Futamura évoquent ce sentiment de fascination. Elles sont brutes à l’extérieur et renferment quelque chose de mystérieux.

Le Contact

Yoshimi a grandi dans un village près de Nagoya, sur l’île principale du Japon, Honshū, à proximité des grandes cités de la céramique, Seto et Tokoname. « Nous étions une famille japonaise traditionnelle et nous vivions au milieu des rizières, à une heure de marche de l’école. Il y avait toujours du thé : pas seulement quand je rentrais à la maison ou quand nous avions des visites, mais tout au long de la journée. J’étais une enfant assez curieuse et je me souviens que je me glissais en cachette vers le placard où étaient rangés les bols à thé pour les toucher un instant. Ce fut mon premier contact avec la céramique. » Plus tard, alors qu’elle était au lycée, elle vit à la télévision un documentaire sur Shōji Hamada. Le voir travailler dans son atelier fut un enchantement : « Je me suis immédiatement dit : on peut donc en faire son métier, c’est ce que je veux faire ! » Bien que sa famille soit peu enthousiaste, elle part étudier la céramique à Seto, faisant chaque jour deux heures de trajet. À cette époque, l’artisanat de la céramique connaissait un renouveau et l’école de Seto était très prisée, même par les étrangers. Elle y resta trois ans, puis travailla sept ans dans une usine de céramique traditionnelle, élargissant ses connaissances en visitant de nombreuses expositions.

Racines

Vers 1986, Futamura décide de suivre sa propre voie. Elle prend une année sabbatique et part au Sri Lanka avec une organisation bénévole. « Un monde s’est ouvert à moi et j’ai réalisé que je pouvais trouver ma place n’importe où dans le monde. » Cela se confirma lorsqu’elle partit pour Paris. Bien qu’elle ne parlât pas la langue, elle s’adapta rapidement. Elle fut la première Japonaise à étudier à l’École Supérieure des Arts Appliqués Duperré (1989-1994). « Les étudiants venaient du monde entier et je m’y sentais chez moi. L’art et la culture japonaise étaient alors très populaires à Paris, avec de nombreuses expositions consacrées à l’artisanat. »

Le moment vint de créer ses propres œuvres. Yoshimi reçut des propositions pour exposer dans des galeries parisiennes. Les marchés de potiers, comme au Japon, étaient encore rares. Dès le début, la nature fut son inspiration : ses expositions s’intitulaient Vagues de terre et Sous la terre. Cette dernière faisait référence aux premières formes de racines qu’elle y présentait. Ce thème s’avéra riche en possibilités. En 1997, elle expose 50 Racines arrachées. Suspendues à des fils, ces racines longues et fines dégageaient un sentiment de déracinement. « C’est bien sûr l’essentiel. Loin de chez soi, dans un autre pays, mais pourtant à sa place. Cela permet de mieux apprécier la culture japonaise avec un certain recul. »

Pas de gaspillage

Dès ses débuts, elle privilégie les formes sphériques. D’abord lisses, elles devinrent de plus en plus rugueuses. « Par hasard, j’ai reçu une cargaison de porcelaine “sale” et — comme mon maître japonais me l’avait dit il y a longtemps — un grain d’argile est comme un grain de riz : on ne doit pas le gaspiller. J’ai donc fait beaucoup de tests, ajouté de la chamotte et du feldspath, et j’ai fini par trouver le mélange qui me correspondait. Cela illustre bien ma façon de dialoguer avec l’argile. Je veux ouvrir ou pousser, et l’argile me dit qu’elle ne veut pas. C’est une sorte de discussion intense et je ne gagne pas toujours… »

Depuis la catastrophe de 2011, ses formes ont visiblement changé. Elles reflètent la dévastation et l’incertitude quant à l’avenir. « Un ami m’a appelée quand c’est arrivé. Ces images à la télé étaient terribles. Je n’avais jamais pensé aussi intensément à mon pays. Le lendemain, quand j’ai ouvert mon four, une partie de mon travail était en morceaux. Certaines pièces étaient belles, d’autres ont nécessité un temps d’adaptation. Finalement, je les ai acceptées et je les ai utilisées comme point de départ pour de nouvelles œuvres : les Black Holes (Trous noirs). C’est ainsi que l’adversité peut finir par aider… »

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